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Oct 03, 2023

Bilan : David Hammons est l'un de nos plus grands artistes vivants. Un nouveau documentaire captivant explique pourquoi

Dans l'art le plus désarmant de David Hammons, l'apparente simplicité suppose une netteté

Dans l'art le plus désarmant de David Hammons, la simplicité apparente suppose une sophistication pointue. C'est comme une poupée matriochka suralimentée, chaque couche se décollant pour révéler et fertiliser une autre couche - et une autre, et une autre, et une autre, jusqu'à ce qu'un spectateur soit étourdi par l'épuisement, à la fois délicieux et châtiant.

La vie noire dans une société dominée par les blancs est au centre de l'attention de Hammons depuis plus d'un demi-siècle, au moins depuis l'année fatidique de 1968. C'est alors qu'il s'est inscrit à ce qui s'appelle maintenant Otis College of Art and Design pour travailler avec l'artiste Charles White. , à l'époque où l'école était au bord du MacArthur Park de Los Angeles (celui qui fondait alors dans le noir, tout le glaçage vert doux coulant vers le bas). Aujourd'hui, à 79 ans, Hammons fait partie de nos plus grands artistes vivants. Son travail n'est rien de moins qu'une pierre de touche culturelle pour les développements critiques au centre de l'art et de la vie américains.

Un film documentaire sur un artiste vivant est particulièrement difficile à faire lorsque le sujet ne participe pas, y compris lorsqu'il ne se présente pas à une interview. C'est l'une des raisons pour lesquelles "The Melt Goes on Forever: The Art & Times of David Hammons" est remarquable. Le film est absorbant de toute façon, moins les réflexions rétrospectives de l'artiste, grâce aux contributions de nombreux artistes intelligents et observateurs et d'autres.

Hammons apparaît de temps en temps dans de rares séquences documentaires, ce qui ne fait qu'ajouter à un sentiment distant de mépris des normes qui a été au cœur de son esthétique. Cela inclut l'indifférence générale à la clameur actuelle pour la célébrité qui anime tant la culture contemporaine.

Certes, les co-réalisateurs bien établis du film – Judd Tully, un écrivain d'art new-yorkais de longue date, et Harold Crooks, un cinéaste canadien primé – ont supposé avant de commencer qu'ils devraient se passer de la contribution directe de l'artiste à leur 2022 documentaire. (Il arrive enfin vendredi à Los Angeles au Laemmle Monica Film Center, passant à Amazon et Apple TV le 5 juillet.) Hammons est réputé insaisissable. Je ne l'ai rencontré qu'une seule fois, en 1991, alors qu'il terminait quelques détails mineurs sur l'installation d'une formidable enquête de mi-carrière au Musée d'art contemporain de San Diego. Il était sympathique, nous avons échangé des plaisanteries et il est parti. Le spectacle, en revanche, parlait avec une éloquence éblouissante, parfois étrangement déroutante.

Que cela se produise dans l'enclave super riche et presque entièrement blanche de La Jolla a tout mis en relief. Par exemple, un panier de basket de 1991 fabriqué à partir d'une caisse de lait en plastique au sommet d'un poteau clouté de bouchons de bouteilles, comme un bâton de cérémonie, est devenu un symbole d'aspiration discordant pour une éventuelle évasion de la pauvreté. Un relief mural élégamment ventilé et ondulant de 1982 a été fabriqué à partir de sacs en papier brun aplatis enduits de graisse de poulet et mouchetés de cheveux noirs (titre : "Bag Lady in Flight").

L'installation choquante de 1988 "How Ya Like Me Now?" Les restes battus d'un panneau d'affichage de Hammons présentent une image de Jesse Jackson au visage blanc, blond et aux yeux bleus, que l'artiste a érigée à l'origine dans la rue face à la National Portrait Gallery - notre salle officielle pour célébrer les réalisations des citoyens, mais un musée où les visages noirs sont largement absents.

La résistance, parfois sous forme de moquerie impétueuse, est un moteur de fonctionnement pour l'art de Hammons. Résistance aux exigences de la société blanche. Résistance aux matériaux d'art conventionnels (ses sculptures ont été réalisées à partir de poêles à frire, de pierres, de poils de barbier, d'os de poulet, de manteaux de fourrure et de neige.) Résistance au moulin des relations publiques. Résistance à l'attente et compréhension facile.

Hammons a déménagé à Harlem en 1974 - un endroit riche en ruines, a-t-il dit, comme Rome - mais les six années précédentes qu'il a passées à Los Angeles (il est né à Springfield, Illinois, en 1943 et a rejoint le Grande Migration). Chez Otis, le réalisme social inébranlable incarné dans les dessins monumentaux de White était essentiel. (Lorsque Hammons a déménagé à New York, le poète du centre-ville Steve Cannon assumerait le rôle de mentor de White.) À proximité, dans les bâtiments Granada sur Lafayette Park Place, la galerie 32 de l'artiste Suzanne Jackson offrait une communauté aux artistes noirs. Parmi les plus de 30 personnes interviewées pour le documentaire, Jackson (elle-même une ancienne étudiante blanche) et l'historienne de l'art Kellie Jones, qui ont organisé l'exposition décisive UCLA Hammer en 2011 "Now Dig This! Art and Black Los Angeles, 1960-1980", sont deux des voix les plus pénétrantes.

Le point le plus saillant du documentaire, et celui qui peut être difficile à comprendre, est peut-être la relation entre l'art de Hammons et celui de Marcel Duchamp (1887-1968). Le travail du dadaïste français était la plate-forme sur laquelle l'art pop et conceptuel s'est construit à la fin des années 1950 et 1960, et la conception de Duchamp du "readymade" en était le cœur battant.

Dans la culture industrielle moderne, la distinction nette entre une œuvre d'art et un objet fabriqué à la machine - quelque chose de déjà fait - est devenue floue. Duchamp a proposé qu'un support métallique pour sécher les bouteilles de vin usagées dans un café, une pelle à neige ordinaire de quincaillerie ou un urinoir de salle de bain ordinaire puisse tous faire office de sculptures. Ce qui importait était la façon dont un spectateur les regardait, et manœuvrer cet angle de vision en un point de vue inattendu était le travail de l'artiste.

Hammons a regardé Duchamp, il a regardé la vie des Noirs américains, il a regardé comment les gens de l'art blanc regardaient Duchamp et les Noirs américains – et il a regardé de travers. Son travail a rapidement infusé le spectre de la mortalité dans l'héritage naissant des jeux de mots d'art duchampiens.

Ce casier à vin de café bourgeois ? Plusieurs douzaines de bouteilles de vin vides, équivalant aux restes alcoolisés d'un abandonné, ont été collées ensemble dans une boucle qui maintient un seau battu en l'air. La sculpture de Hammons donne un cadre de référence élégamment racheté à une âme perdue sans logement trempée dans du vin bon marché et susceptible de "Kick the Bucket" dans la rue, comme il l'a intitulé.

L'urinoir de salle de bain renversé de Duchamp ? Hammons a exécuté une action de rue individuelle en se soulageant en public contre une sculpture brute proéminente de murs d'acier gigantesques par Richard Serra. (Un policier est intervenu.) Près d'une entrée de station de métro sur un îlot de circulation très fréquenté, le geste a transformé une fonction privée hébergée par l'objet trouvé de Duchamp en un acte social désespéré, que Hammons a intitulé « Pissed Off ».

"Je suis le PDG du DOC - la clinique ambulatoire Duchamp", a plaisanté Hammons. Le documentaire note que l'obstacle conceptuel de son art, qui est tout sauf comique, est que l'ultime ready-made est l'esclave noir - une personnalité de chair et de sang industrialisée, dépouillée du miracle ordinaire de la nature, transformée en un "objet trouvé" déshumanisé. "

Nulle part cette cruauté n'est plus évidente que dans une œuvre désormais légendaire mentionnée dans le titre astucieusement choisi du film, "The Melt Goes on Forever". Les boules de neige sont la pièce maîtresse. Lié de manière tangentielle à la pelle à neige de Duchamp, que le Français a intitulé avec esprit "In Advance of a Broken Arm", Hammons a installé sa pièce sur un trottoir hivernal d'East Village près du coin de Cooper Square et d'Astor Place en 1983. La cupidité de l'ère raciste Reagan- est-bonne méchanceté économique se déroulait rapidement. "Bliz-aard Ball Sale I" a évoqué une prononciation prétentieuse, sciemment prétentieuse, forcée par l'orthographe de bliz-aard, pour parler d'hommes et de femmes brisés.

La pièce se composait de boules de neige ordinaires de tailles graduées que Hammons étalait sur une couverture et proposait à la vente à des prix échelonnés, selon la taille. Il formait une "galerie de sculptures" nominale présentant des objets postminimaux faits à la main par un artiste. Le tableau a pris sa place au milieu d'autres couvertures affichant des marchandises de rue en mode de survie - livres de poche usagés, sacs à main de créateurs contrefaits, déchets battus - vendus par des personnes dans des circonstances difficiles. Les passants décontenancés ne savaient pas trop quoi en penser, toutes ces sphères blanches craquantes formant un arsenal de plaisir. Un son discordant de cruauté et d'espièglerie cohabite dans une même œuvre.

L'action de rue boule de neige, non annoncée par communiqué de presse ou autre avis à l'époque, est surtout connue aujourd'hui grâce à des photographies documentaires prises par l'ami de Hammons, l'artiste Dawoud Bey. (Avec sa collègue artiste Carrie Mae Weems, le travail de Bey fait l'objet d'une exposition de photographies en cours au J. Paul Getty Museum, jusqu'au 9 juillet ; une enquête en solo est également à la Sean Kelly Gallery à Hollywood, jusqu'au 30 juin.) Le film ajoute une animation rayonnante de Tynesha Foreman. Un spectateur perplexe passant ce jour-là est maintenant un ancien président de l'Art Dealers Assn. d'Amérique; le documentaire relate sa tentative chimérique des années plus tard, alors que l'artiste était une figure internationale, d'acheter une boule de neige éphémère Hammons pour un million de dollars.

Il n'y aura pas de spoiler ici sur cette histoire époustouflante et ses rebondissements inattendus. Mais il encadre le récit plus large d'un artiste noir extrêmement doué, se déplaçant dans un monde artistique dominé par les blancs inondé de piles d'argent de plus en plus importantes, comme une histoire d'humanité brutalisée par des transactions économiques rocailleuses. En cela, "The Melt Goes on Forever: The Art & Times of David Hammons" se répercute contre les péchés fondateurs de l'histoire des États-Unis, qui restent douloureusement opérationnels aujourd'hui.

Cette histoire a paru à l'origine dans le Los Angeles Times.